documentary. Life in Movement

Life in Movement Trailer (OFFICIAL) from Closer Productions on Vimeo.

3歲的時候我在做什麼？
29歲的時候我又在做什麼？
找到自己熱情的人是怎麼全心投入？

即使在創作的摸索過程中不免自我質疑，即使帶點歇斯底里與瘋癲，it doesn't matter，至少是個被同事、朋友、家人所深愛、樂於一起工作的人。

如何找到理由一直大笑？
如何用生命去演出？
對於非藝術工作者而言，要怎麼轉化那種投入的態度？
怎麼兼顧公與私？

9 songs 雖然也同為肢體語言強烈的電影，Life in Movement 帶有一種更真誠的緬懷，像是一種漫長的告別儀式。"she is gone...I can't believe it...let's memorize her...but still need to say goodbye..."

追憶，是瀰漫於這部影片中的氛圍。某種程度上，不知道該說殘忍還是美。從正面來看，大家同心協力，巡迴展演她的遺作，直到回歸出生地，然後各奔前程，飛鴻雪泥；若不這樣，這種好友因車禍而猝死的情緒真的很難解開。從反面看，她的愛人與朋友們可能不悲傷嗎？這是種雖無奈但無從討價還價的命運，但日子還是要過。

看完了這樣的影片，似乎對舞蹈又更接近了一些。肢體動作是先於語言的溝通媒材，藉由觀看他人的肢體表現、聆聽尚未嚴謹語言化的聲音，表演者傳達著某些情緒，放諸四海皆準。舞者精鍊的肢體，在觀者的腦海中留下稍縱即逝的張力；靠著反覆練習、長期籌備、終得展演的模式，舞者為觀者開拓著未曾想像過的肢體表現，如同詩人之於語言，藝術家之於各類作品，以及設計師、建築師之於產品、空間。

沒有時間抱怨，只能起身、預想、全然地投入，一步步解決命運帶來的難題。

movie. Holy Motors/花都魅影/神行車行

Leos Carax 作品，像是夢一樣。

如果楊德昌的電影是用左腦組裝起來的精密機械，充滿話語、辯証、理性、快節奏的，像是黃心建的裝置藝術；那 Leos Carax 的這部片則是右腦潑灑滲透成的水墨，emotional，音樂與影像只是催化劑，語言的內涵不是那麼重要。

我覺得他想談的是電影這種形式的本身，像是盧米葉兄弟年代的早期錄像不斷地穿插著，有點像是昆德拉的小說，這算是所謂的後設嗎？戲中戲中戲。觀眾意識到自己在觀看一個文本（一齣電影），電影刻意地不再強調那種沉浸式的幻象體驗，而是在九個短篇間一再地抽離 ，反應的是電影製作的真實，直到最後車子間的對話的魔幻寫實，再度破除電影製作的真實性。

撩撥著真實與欺騙，但每個片刻卻都充滿感情，第一幕的乞丐、第二幕的體感捕捉+3D動畫、第三幕的 Mr. merde、第四幕的青少女父親、第五幕的殺人滅屍、第六幕的槍殺銀行家、第七幕的瀕死老人、第八幕的老友重聚、第九幕的黑猩猩家庭。

某種程度上，或許該說 Leos Carax 也算是奸巧的編劇，因為無法對某個議題做出長篇的論述，或者並不想再玩新橋戀人那種有點濫情的收尾，乾脆玩起夢境集錦。跟王家衛的憂鬱深情小上班族一樣，Leos Carax 心裡也有固定的 Persona ─ 髒髒的街頭狂人。大概跟法國與鐘樓怪人的淵源牽連在一起，新橋戀人的男主角、Tokyo! 裡面的 Mr.Merde...

法國是因為這些狂放的角色才讓人心裡嚮往，而電影則因為提供了這些短暫而充滿情緒的片刻才更顯得療癒。

movie. my play ground

比想像中好看的紀錄片，如果對 parkour  不熟的話，光看那些動作就很嗨了。雖然早在2001年盧貝松監製的企業戰士就有拿這個次文化來當梗，但這部丹麥片則是從比較生活化的觀點，讓觀眾更能去體會到 parkour對參與者的生活哲學意涵。我特別喜歡那些丹麥建築師和都市計畫官員談論 parkour的論調，雖然不知道是說來漂亮的官腔還是他們真心相信自己所講的，但他們至少真的蓋了一座parkour 專用的公園！

出場的主要人物是丹麥的一個 parkour 團體，女性在 parkour 運動中算是少數，參與者看起來也都還算年輕，片中也有和美國、日本、中國的 parkour 團體接觸的部份。我覺得台灣是很需要 parkour 精神的地方，這個島快要變得跟日本一樣保守，至少媒體愛大驚小怪與假道學的程度已經讓人覺得低能。

Mr.Jamie 曾提到創業如同 parkour 的觀點，片中的哲學家、建築師也都不將 parkour 當成只是空翻或爬牆的肢體活動，我覺得這項活動背後有種很迷人的 hacker 精神，在城市的空間被財團、政客、或某些笨建築師逐步操弄腐化之餘，展現了一種很草根的力量，將人類行動的自由重新奪回手中。

parkour 必定是關乎哲學與生活態度的，設計師/建築師或許不用像是某人一樣會打拳擊，但萬一在設計教育中加入 parkour 為必修，或許我們可以看到更多精彩的作品。parkour 也不是單純的操自己的身體而已，愚蠢地意氣用事，跟有計劃地挑戰自己，畢竟還是有程度上的差別。

movie. the rain + place

不曉得是因為終於可以這麼近距離的看到舞者的表情、或是音樂跟動作藉由影片的形式搭配得更密切，還是忽然變聰明了，我好像開始看懂這些抽象的動作—舞蹈。

藉由觀看別人肢體動作，間接想像著自己做出那些動作，想像那動作的難度、意涵、身體的張力，最原始舞蹈不是舞者的專利，是每個在部落中的人都能理解並參與的行為，或許早在語言被發明前，人們就已藉由這些身體的動作彼此傳達著什麼。以如此接近的視域看著螢幕上的身體在空間中，收縮或迴旋，魔幻寫實無所不在的雨讓身體的線條浮現於薄衫之下，好像也感受到了舞者所欲藉身體表達的情感：悲傷、愛、挽留、突破、親密、邂逅、釋放等等。肢體與音樂的搭配，超越了巴別塔以來所佈下的語言限制，瑞典或台灣，人類所面臨的情緒充滿共通點。

place 兩位老人家則更充滿了生命的層次感，音樂也很棒，白地毯與桌子所象徵的似乎是家庭的隱喻，兩人之間的吸引、模仿、爭執、互動，無論是像在fighting的單人部份，或是兩位老舞精一起尬舞，肢體間的搭配都讓人有像是聽相聲想拍案叫絕的衝動。用文字怎麼能表述一場舞呢？

place 剪接的痕跡比較明顯，雖然不影響觀賞經驗，但似乎不剪會更具有真實張力。舞蹈電影對觀眾而言最好的部份就是終於能看清楚舞者的表情，聲音與視角的表現也能被導演處理得更細膩，尤其是肢體間互動的特寫，似乎讓看懂舞變成一件比較容易的事。

movie. The Rocky Horror Picture Show

久仰大名的一部片，看的過程真的是覺得 horrible....好像是 Diane Arbus 照片裡那些人跳起來演電影一樣，各種歪曲的、帶邪氣的、彆扭的人們集結著。並不是歧視變裝癖，只是覺得那種表現在美感上是一種很暴力的另類，要看著它100分鐘很不簡單....

老夫子說過，難看到一種程度以上的電影集大成以後也會變得很厲害，這片大概就是那種感覺。不太協調的團體舞、看起來很假的高科技....

惡搞了很多東西，我看得出來的部份是吸血鬼電影的元素、鐘樓怪人與肌肉猛男的結合、歌舞片、外星人...還有不曉得跟 KISS 有沒有關係的歌舞團扮相。男男、男女的關係大亂鬥，我在想蔡明亮的天邊一朵雲跟這部片有多少關係...

其實是一部很抒壓的片，動感的歌舞、白爛的劇情、略帶色情與暴力、寡廉鮮恥，讚啦

movie. sound of noise

不知道該說這是一部溫馨的成長之旅，或是四場酷得要命的即成物演奏。如果沒有前者，youtube 看一看大概就差不多了，因為加入了男主角的血淚而使後面的炫技有了很感性的對照；後者當然是主要賣點，不可能用語言去描述，網路上有隱藏版的公寓篇： I love rebellious movie, and this one is fantastic.

movie. Breakfast at Tiffany's

最讓人印象深刻的就是 Audrey Hepburn 的演技。在羅馬假期裡，她或許還是可被輕易取代的花瓶，但在本片，她完全演活了一個具有躁鬱症特質的年輕女孩。因為真的遇過，所以感覺特別親切。

男女主角的愛情橋段有點無聊，有趣的部份反而是女主角所展現的價值觀，那種出身卑微，十幾歲就為了弟弟而承諾嫁給四十幾歲的老醫生，後來又遠走高飛改名換姓到大城市釣凱子掏金，為了獲得金錢她不只在洗手間幫宴會中結識的男性「服務」，也和黑幫有所瓜葛。其實劇情並不那麼重要，只是為了看 Audrey 如何在這些橋段中呈現那種拜金而脫線的天真，讓人一方面察覺她的勢利，另一方面又同情著那些造成她行為模式的過往。

唯一的早餐鏡頭出現在片頭，像是一個謎，一個不協調的畫面，由後來的故事一層層地展開劇情。那個時代的編劇好像都喜歡玩「做一些不曾做過的事」的梗，電影虛擬著現實，現實中無法達成的由電影來滿足，「紓解」像是電影隱含的寓意，所以無論如何都要 happy ending。

對照巴黎拜金女，故事有點像，但本片更為深刻。前者太甜了一點。

movie. Roman Holiday

看完就愛上 Audrey Hepburn 也不為過吧。集優雅、俏麗、可愛、聰慧於一身。

像是典型公主故事的現代版，被傳統、禮教、制度、行程等層層重擔所壓住的公主，忍不住逃脫原本被完美保護、規劃的環境，幸虧遇上還算好心的男主角，然後譜了一段短暫浪漫。中性偏喜劇的收尾，留下一點惆悵，感覺還不錯，雖然邏輯不太通。收-放-收的心境在船上打鬥達到高潮，前面鋪的梗在此總結，男女主角在水的元素催化下也進入愛情。

偉士牌、二戰後的義大利小車、甜筒冰淇淋、莫名其妙的瓜、某種像是沙發的家具、意式的 patio/階梯/樓閣/露台、岸邊船上的餐廳、競技場...

再怎麼說，還是賣女主角的片，或許不是她就不好看了。

movie. the social network

我會把這片歸類於是賣劇情的電影，被推薦來看它的原因也是因為故事本身，揭露了關於青年創業神話的許多面相。英文海報上的字眼是本片的核心："You don't get to 500 million friends without making a few enemies."

從講創業的角度，Mark 對facebook的投入程度是很好的範例，繼承了 Bill Gates 的技術創業路線，Bill （和Steve Jobs）創造了家用電腦OS的新時代，Mark 則創造了社群網站的新時代。裡面哈佛大學校長講了一句很豪氣的話："...we don't find a job, we invent one." 台大的那位氣功大師在創業的格局上，明顯就狹窄了許多，連 NTU 的校長都沒有足夠的氣度感動學生，其他地方的校長基本上也沒好到哪裡去，其下的各級教職員當然就更狹窄了。所以學生沒被教好也似乎理所當然了？

所以何必那麼在意教育體制呢？影片中以戲劇化的方式演出了真正創業家的人格特質，也對比出其他所謂名校聰明學生在名校的墮落生活。叛逆是要有本錢的，不聽話地把事情做好做對做得很 cool，大概就是片中所顯示的美式創業風格。

至於 Mark 的私德部份，沒什麼意思，同苦不共甘的案例太多了。

movie. taxi driver

為什麼我覺得王家衛應該看了很多遍 taxi driver？

或許，我還沒看懂。

看懂它在講城市中孤獨的男性，在求愛被拒之後由愛生恨，真的想殺的大咖殺不死，殺了幾個小咖之後變英雄，然而，他仍舊無法處理那段癥結之愛。或許劇情的邏輯根本不是重點。

漂浮在很美而耽溺的爵士樂中，演繹著年輕男子對於孤獨況味、那種被拒絕的憤怒，那種自己的價值觀不管跟高尚女性或小妹妹都橋不攏的感覺，以及對於知識、學問的無興趣，一切的鬱悶到最後只能訴諸暴力、槍彈與鮮血。Robert di Niro 演出了這種沈默寡言、看似癡呆但內心狂熱的味道，很內斂，也漂忽得跟幾乎沒斷過的配樂一樣。

手持攝影機晃動的感覺、片頭讓光影拉出了殘影的色塊、很多的獨白、內斂型的男主角...這也是另一種致敬嗎？但王家衛的口感比馬丁史克西斯甜了許多，後者在這部片裡表現得像一壺飄著香味的苦茶，劇情的情緒與音樂的情緒甚至在某些時候帶著一種錯亂感，男主角難過，但卻被柔膩的旋律所包圍，更顯現了一種分裂。王家衛的用法則比較偏效果加成。

這不像是一部重劇情的片，而在於影音所呈現出來的氛圍。

movie. Inception

熬完夜看這部，感覺有點頭暈，prototype 是很老的梗，誰夢誰，現實或夢境，兩段懺情。懺情的部份或許是這部片讓人有感覺的原因：因自己而死的摯愛的女人、感情看似不睦的父子情節。好萊塢片的標準配備（槍戰、飛車、爆炸、緊湊、懸疑）以外，編劇先在觀眾心裡打了兩個結，然後用四層夢境去解開，看電影的過程有點像是心理治療。電影編劇就是造夢者，放了這些對白、影像、儀式、符號到了觀眾的潛意識中。很厲害。

而且這麼複雜的畫面、劇情、有渲染力的配樂，概念其實只用一段就可以講完，也算是某種 good design 吧...

movie. I am Legend

不同敘事模式的惡靈古堡，看完好像在看卡繆的瘟疫，是反英雄的，最後的倖存是由於自己所不能掌握的幸運，原本的認知結構，都在劇情的推展過程中一一被打破，是一部很抒情的科幻劇情片，它等於創造出一種新的 type，在打爆殭屍的同時，還能很細膩的談到人的孤獨、自大、柔軟。

畫面一流就不用說了，好萊塢水準。在編劇上非常的高明，所有的梗都被反轉了一遍：原本好像萬靈丹的改造病毒，變成致命的殭屍病毒；主角原本最親密的狗朋友，最後死於他自己手裡；原本像是可順利逃出的主角家人，其實最後發現早就罹難；原本實驗得要命的疫苗，最後即使管用卻選擇讓蝴蝶女變回殭屍；原本以為殭屍都是蠢蛋，其實他們跟免疫者一樣，有自己的一大套七情六慾以及組織關係；原本營造出主角是唯一倖存者的氛圍，結果可能還有其他希望。

從這種故事看到的希望，並不是從此過著幸福快樂的生活那一種，比較像是大戰後百廢待興、戒慎恐懼中想努力保護著的那一種，精神層次更加滄桑，但是這部電影竟然拍得讓人好像可以去體會那樣的感覺，真的很威。康斯坦丁的導演，入侵腦細胞的編劇。

Will Smith 一個人演了快60分鐘，把那種爆發時嘴巴上安撫著一切ok，到獨居三年多快發瘋的宅味，以及狗死掉想跟著一起自暴自棄的瘋狂，到最後跟殭屍王有點太神奇的心領神會，他的氣勢從相信系統的強，到相信自己的強，一路被打爆到一切都不再相信的弱，最後（或許是因為終於遇到另一個還ok的單身女性而）產生一種堅定的溫柔。

某種層面上也是滿老梗的，主角不死定律，配角（狗兒）必死幾個，女主角必定會帶著原先自以為是的男主角經歷某種心靈上的轉變，從唯理性的現實犬儒，到相信上帝的從心感覺，然後一起開著車駛向某個應許之地。如果不是在生化殭屍片裡面放這些梗，可能就不那麼特別了。

movie. 艋舺

整部片的 tone 不連貫，出現很多破壞原有劇情線的點，影像、聲音、演員方面的表現都還不錯，編劇怪怪的。最失敗的是結尾，鋪了一大段出來混何必弄到兄弟間互相砍殺的梗，應該在把蚊子拖走的地方就可以淡出上字幕了，結果反而回了一槍像是「就算是壞籤也要靠拳頭解決事情」鼓勵鬥毆的結尾，把前面醞釀老半天那種歹路不可行的氣氛破壞光光，替換成一種很幼稚的血氣方剛，不懂編劇和導演在想什麼。

前段在天台上要讓蚊子報仇的那一段，加進了非常卡漫的幻想，也完全跳 tone，就好像教父跟王牌大賤諜剪在一起，也不像追殺比爾那種從頭到尾都很認真的惡搞，反而比較像是失敗的 powerpoint 動畫，搶眼、花俏而無用。

不過中段拍得真的不錯，有拍出古惑仔的程度，對於早期台式黑道的側寫很有在地味，有表現出後面所謂「混義氣混友情不是混黑道」的意含，那種自以為屌但是不小心弄死人的莽勇反而比較能引起我的共鳴，靈魂人物應該是 geta，不然幾個拿來當招牌的男星，有的連台語都講得不輪轉，還要演活艋舺廟口的黑道第二代，真的有點難。難怪阮經天可以拿最佳男主角，語言上ok，暗示很明顯的同志情節與窩裡反的內心戲，是很具表演空間的角色，大概就像是無間道裡面的梁朝偉。

導演軋一腳的灰狼哥演過頭很多人都在講，劇情上確實需要那個角色，但話可以更少更精簡。

台灣的黑道文化特色是很好的題材，這部電影的中段也確實發揮了不少這方面的優點，但導演和編劇想呈現給觀眾的，反而好像比較偏重在兄弟之間的男性情誼上，因此導致了它奇怪的收尾，也因此限制了這部片所能帶來的深度（或許導演本身並不想要深度），兄弟的女人被人尬了，怎麼會用瞬間膠這種娘泡的方式來處理？對照一下《眼淚》，直接抓去山上挖坑埋起來拷打，或是肢體的肉搏戰都比較合理吧，枉費每個男星的身材都有練過。

movie. All about Lily Chou-Chou

岩井俊二作品。
不只一個人跟我推薦這一片，但看完實在有點想吐。

或許這也是一種功力，整部片流露出一種自溺抑鬱苦澀少年的蒼白詩意，許多場景的話面都拍得很美，就是在這些甜馨的影像間，敘述殘酷而帶有變態傾向的日本少年霸凌現象，偷竊、自慰、援交、強暴、殺人、自殺、排擠、謊言、背叛，卻也對照著少年們心目中美好的南國海灘島嶼記憶、火辣的大姊姊、gay味十足的同性情誼、對同學年輕貌美媽媽的遐想...etc. 像是一部關於少年印象的青春集錦，愉快或不愉快的回憶交結在一起。

Lily Chou-Chou 的音樂貫串全片，帶有一種日本人特別愛談的生命、死亡、存在、意圖在苦難中獲得某種輕盈的昇華，像是帶有某種靈性的呻吟，不是色情那方面的，而是是遭遇各種負面的情緒後的掙扎。

本片中的敵友關係是矛盾的，從原本最欣賞的朋友一步步改變，直到最後殺了他，那種悶的感覺有一點像是牿嶺街少年殺人事件，如果擺幾個使徒進來或許就會演變成新世紀福音戰士，基本上這三者像是類似出發點得到的三種演變結果。

網路世界也出現於本片中，導演的手法做得很漂亮，字幕的方式來呈現聊天室的訊息，像是某種進行中被逐一打出的獨白，也不像王家衛那種抒情的口白，但仍準確地呈現情感的轉折，並且為最後埋下了梗。匿名的網路上以為被瞭解的心情，在現實中又再次被撕毀，因而造成很強的心裡張力。對比於台灣《刺青》裡直接拍攝電腦螢幕的手法，高下立判。

整部片的對話不多，大部分的時間都是用影像配合背景配樂來說故事，主角的內心戲可能要藉由網路聊天室那一條線才比較能被觀眾理解，現實的對話則是反映了日本少年某種沉默順從的個性。

確實是一部好片，但就像是灰色的漩渦一樣。

movie. 櫻花盛開

真的很厲害的一部電影，過了兩個禮拜還是讓人印象深刻。與其說是在追尋逝去妻子的影子，不如說是男主角在生命終點的劇烈轉折。

電影從病情的不利消息開始，但直到男主角的妻子倒下，到底是誰病危，其實都處於一種非常曖昧的狀態，在他日復一日規律、乏味、自我滿足的生活中，事事被老婆悉心照料的男主角彷彿才是病人，被瞞著自己的病情去看成年後早已疏遠的兒孫們，直到他老婆在象徵中死亡，他前往日本追逐某種幻影似的感覺。

一些尖銳的社會問題在片中都被點出來：「埋首工作的德國式父親+為了家庭拋棄年輕時代夢想的母親」在成年的子女眼中比較像是不知如何去面對的棘手難題，家庭問題造成的不親密直到死亡都無解，男主角的家庭問題困境到日本後更是被酒醉後的兒子銳利地點破；女兒的同性戀行為對保守派父母的衝擊也略為被呈現；喪偶的男主角到日本後（在語言不通的情況下）去脫衣舞吧、由兩個裸女陪洗澡（但洗到哭）、無聊翻到兒子的日式a漫，日本有禮無體的特色在一種很突兀的情況下加入到全片抒情的劇情線中，或許可以說是引入了某種「以性愛填補死亡的空虛」的暗示，然而卻是無用的。

最後救贖男主角、引領他進入舞踏世界的女孩，是住在公園內的遊民，這個角色設定非常絕妙，一方面再次點出了日本遊民奇妙的生活形式（與社會問題），另一方面又擷取了日本以「女孩」作為救贖的（創作）傳統。

男主角的心路歷程從：規律的生活→被動的旅行+家庭問題的顯現→喪偶的巨大失落+家庭問題嚴重化→被舞踏女孩救贖→自我藉由舞踏與亡妻的重新聯繫。

難怪他可以拿兩座最佳男主角獎，形象的轉折超大的。

movie. 第36個故事

很像是王家衛的重慶森林+侯孝賢的咖啡時光。

其實我已經忘記咖啡時光在演什麼了，只是對於某幾個畫面有些朦朧的印象，像是電車靜靜地滑過城市的夜色，或是某個咖啡店裡靜謐的晨光。

重慶森林的對應點就清晰多了，只是我覺得旁白如果讓陳綺貞來講會更合tone一點，雷光夏(?)的聲音太冷靜了，沒有那種情緒擴散的力量，雖然她唱的配樂還ok；都是在某個街角的小店，都有怪得亂有趣味的第一女主角，都無可避免的使用男女愛情的框架，到最後也都是漂泊與守候的反轉。妹妹的角色反而成為本片獨創的破格部份，更怪、更任性、打破姊姊靜態恬靜的氣質，激發出很多很女孩的幽默感。或是說，王菲在重慶森林裡的角色被分裂成兩個人，氣質的和任性的，然後彼此錯位、互換，我猜是先有女主角的 image 才開始產生後面的劇本。

那些街訪有點畫蛇添足，應該可以有更好的方式來表現，才不至於看起來好像公益廣告之類的；也看得出導演故意要去帶一些台灣的現象當背景：腳底按摩、躺著洗頭髮、路邊攤、計程車，感覺好像這樣拍可以比較容易申請某些宣傳台灣的獎助經費一樣。

基本上，賣的還是女孩吧，年輕、有一點怪、但漂亮、而略帶夢想的，賣的是那種小挫折與小突破的青春浪漫。

movies. 東京狂想曲

原本只是隨性的看過去，但有些片段過了幾天還是印象深刻，或許都是因為蒼井優～

第一段是由人與人間微小的摩擦、對立，到某個點之後忽然放手變成魔幻寫實，那「帶著導演夢，但放出來的影像卻讓人三條線」的梗好像在別處看過。前半段的氣氛是越來越壓抑的，一開始放入惡靈古堡的意象，被好友重逢的逗趣輕輕化解，而原本重逢的喜悅逐漸被寄居的不悅侵蝕，男女主角在東京找房子的橋段，間接顯露了中低收入的青年惡劣的生存環境，窗外的死貓、白蟻寄生的褟褟米、還有黑川紀章的中銀膠囊大樓。被拖吊的車子和公務人員的官僚則是另一層雪上加霜。最後的魔幻至少是讓化身成椅子的女主角，有機會被生活較優渥的音樂家帶走，使鏡頭能轉換到那些比較符合文藝人期待的東京印象，為前面讓人難受的氣氛解套。

有人說日本的社會就是二十年後的台灣，看到車子被拖吊還有公務員那一場，讓現在的我都很有感覺。

第二段是Mr. Merde，給人的感覺像是被錯置的現代鐘樓怪人，李歐卡霍在新橋戀人裡也用了相似形象的角色，這好像是他獨具特色的觀點，總是用這些相對於文明、都市化的髒角色，反過頭來對照出文明現代的某種荒謬性。在 Mr. Merde 被抓到前都是不錯看的，被抓到之後的收尾顯得有點在硬掰。

第三段是我覺得氣氛營造得最成功的，講宅居，畫面一出來馬上想到東尼瀧谷和村上春樹，那些規律性的潔癖、封閉性的人際，最後被送 pizza 的少女打破，然後主角終於踏出門、屋子已經被藤蔓蓋滿、屋角的腳踏車也早已生鏽、於是開始用慢跑的方式移動，太陽的熱度、人群的黏膩，為了心儀的女子在所不惜。雖然最後的地震梗有點爛，但按下love鈕的梗，尤其是蒼井優的大特寫，成就了一切。

movie. 眼淚

本人竟然會到電影院去看這種無特效的劇情片，真是連自己都感到意外，一開始覺得有興趣是因為蔡振男，通常好演員會挑劇本，所以跟著好演員看電影通常不會太差，就算劇情不好也看得到演技，淺野忠信則是另一個指標。但真的觸發買票欲望的，則是破報上導演先下鄉巡演的策略，對比於艋舺鋪天蓋地的行銷活動，這種反台北的意圖讓我想藉由進場看電影來表達支持。

整部片也確實在某種程度上很不台北，場景在高雄，使用的主要語言為閩南語，觸及檳榔西施且可以穿很露（即便演員自己覺得露得不夠多）、剪進了一段頗現代風味的野台戲、點到了一些很不台北但也不那麼鄉土劇的台灣角色：游手好閒的台客、貨車司機、易動情的歐巴桑、工人階級。

但其實影片的主題是沈重的，最大的梗是那段刑求到頂罪的往事，前面看似不知所云的細節都可以收到這個點上，吸毒則是另一個子題，但老實講並不算發揮得非常完善，像是拿來填劇情的洞而已。導演確實拍出了許多段情緒，但主題卻不明顯，情緒間的連結有斷層。片尾的部份有點畫蛇添足，我覺得在美麗島站那邊就可以收黑下字幕，轉到騎摩托車唱歌固然看似為觀眾提供出電影院的好心情，但又再次模糊了本片想傳達的意念。

鄭宜農 和 Doris 演的台妹真的好可愛yo

film. Les amants du Pont-Neuf, 新橋戀人

Juliette Binoche 在這部片的表現非常厲害，大概是林志玲演活阿部定的那種程度，因此拿了好幾個 best actress。總覺得後面是一直可以帶著哀傷收尾，只是編劇心有不甘，拼命地想製造某種正面的最終印象。

視覺語言的梗鋪得很細緻，因此就算不明說觀眾也能體會到，譬如撕海報時眼睛的部份最後才被撕下、偷偷把錢箱挪近等，聽覺暗示的梗也很呼應，畫中拉大提琴的男孩到地鐵的大提琴聲、到地上的煙蒂與在尋找的人，打開鎮靜劑罐子的動作與下藥前的聲音。

從這片也看到很多後來的電影的梗，王家衛手持拍女子街頭狂奔、蔡明亮在街頭隨著背景音樂孤獨而甜蜜起舞的男女、鐵達尼站在船首乘風飛行；男主角的扮相直接讓我想到後來的鐘樓怪人音樂劇。而這部片上映於1991年。

片中的巴黎是很真實的，流浪漢、髒汙、無視紅綠燈的行人、脫序，19年來巴黎似乎不曾改變，La poste 的黃色箱型車、métro的紅底白字，貼磁磚一堆樓梯的地下道、貼海報的方式與框架、新凱旋門在當時已經建好、那些橋那些船一如以往。

當她的沉淪成為他的救贖時，那種關係會變得很奇怪，這又像是鐘樓怪人的脈絡了。她以為自己即將失明而墮落於街頭，斃了拋棄自己的情人，豢養一個自閉的愛慕者，彷彿沒有明天似的活著，直到聽見眼睛有救的消息，拋下愛慕者。重聚也未必是喜劇收場，不然那斷指就顯得無意義，或許兩人該一起沉入塞納河底，只是編劇顯靈，於是一起含笑航向大西洋。

去巴黎前嫌它將那裡拍得如此髒，竟讓玉女演瘋婦；回來後，這真是深入巴黎靈魂的愛情電影，比 Bertolucci 壓抑的 Last tango in Paris 更貼切，更是勝過後來一堆像是觀光局贊助的軟膩影像。

movie. Up in the air

好萊塢電影有一種手法是從奇妙的職業切入，shall we dance 是從遺囑律師，up in the air 則是從解僱公司，愛情都是兩者談到的議題，在本片嘲諷解僱公司時也成為極佳的軟化劑。

愛情與人際在影片中經歷一段辯證，主角找了外表成熟（白髮參差）而還算年輕的熟齡白人男性，做著超越白領西裝筆挺而收入豐厚的工作，過著單身無羈絆而享受自我的孤獨貴族生活，直到遇見另一個好似可以相匹配的女人，激情著曖昧著誤解著，甚至還說服了妹婿結婚，但結果只是像007一樣因故再次踏上孤獨的旅程。片頭那段快速剪接的打包、通關過程也都是很007的動作片拍法，這整個部份的意象也可以和西部片中，主角在夕陽時騎馬遠去的畫面連結，"I work/travel alone" 這樣的台詞也在很多帥到不行的男性電影形象中不斷出現。如果結尾是主角結婚或者就這麼定下來，或許會變成一齣徹底的喜劇，但反而會顯現出某種白雪公主式的俗氣。

對於「解僱他人」這件事的嘲諷是我覺得本片比較有創意的地方，公司甚至僱專人來解僱自己的員工，"I work for...pussies like Steve's boss who don't have the balls to sack their own employees" 如果直接翻譯成中文的話還真是髒得剛好。甚至連網路視訊裁員都出現了。專業解僱員對被解僱者描繪的各種婉轉修辭也被拿出來談，甚至做sop；這些都反映出美國社會某種務實而冷酷的職場環境，不講人情的裁員。然而問題是從未被解決的，只是讓人相對有尊嚴的被裁，或是更無情地被裁。這樣感覺又像是送行者了。最後安排了某人自殺使配角辭職，也停掉了網路裁員的發展，或許是編劇能做的最後控訴。

所以，原本篤信 hollow bag theory 且處於某種禿鷹式的職場環境的主角，歷經一段生存信念被動搖的過程，結果雖達到了1000萬英里的飛行里程目標，但帶著層次更複雜的心態繼續踏上旅程。真是頗完美的男性電影。